Histoire des arts

Paris : capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle

Mélie Jouassin — 2026-03-27T07:18:00Z

Programme limitatif pour l'enseignement de spécialité d'histoire des arts en classe terminale pour l'année scolaire 2024-2025
Note de service du 4-12-2023 (NOR : MENE2330067N)
Le programme d'enseignement de spécialité d'histoire des arts institue trois questions limitatives, qui s'inscrivent dans les trois thématiques : un artiste en son temps ; arts, ville, politique et société ; objets et enjeux de l'histoire des arts. Elles sont définies et renouvelées par publication au Bulletin officiel de l'éducation nationale.
Pour l'année scolaire 2024-2025, les trois questions ont été publiées au B.O. n° 1 du 4 janvier 2024

PROGRAMME LIMITATIF "ARTS, VILLE, POLITIQUE ET SOCIÉTÉ : PARIS, CAPITALE DES ARTS, PREMIÈRE MOITIÉ DU XXE SIÈCLE"

Extrait du B.O.
Berceau de multiples avant-gardes, de courants artistiques, Paris s'est affirmée, tout au long de la première moitié du XXe siècle, comme la capitale des arts. Avant que ne s'opère au milieu du siècle le basculement qui, comme l'écrit Harold Rosenberg dans son article sur la chute de Paris[1], « ferma le laboratoire du XXe siècle », la capitale française devient le point de convergence des artistes du monde entier, attirés par une nouvelle dynamique créative alliée à de nouvelles formes d'expression et d'existence « bohème ». Les rapprochements entre acteurs clés du mouvement moderne et les artistes venus d'autres pays contribuent, autant qu'ils en sont la conséquence, à la vitalité et à la fertilité de la création artistique. Reste à en analyser les raisons esthétiques, matérielles et politiques.
Cette position centrale de Paris s'observe tout autant dans les différents champs de la création (la peinture, la sculpture, la photographie, l'architecture ; la musique, la danse, les lettres, la mode, etc.), dans l'activité du marché de l'art (et des galeries), que dans l'inscription de la vie artistique dans la géographie de Paris. Les déplacements des foyers de création d'un quartier de la ville à l'autre laissent des traces dans la vie des cafés, cabarets, galeries, ateliers, académies que fréquentent les artistes. Cette question du programme limitatif appelle donc à envisager la vie artistique parisienne, entre création, histoire sociale et contingences politiques des arts.
S'il est vain de fixer arbitrairement les événements ou les dates qui ouvriraient et clôtureraient cette période, il peut en revanche s'avérer particulièrement stimulant d'interroger les éléments de contexte, d'identifier les dynamiques, y compris en termes de politiques culturelles, qui ont favorisé l'émergence de Paris comme capitale des arts, et ce qui a pu conduire à son déclin au milieu du XXe siècle au profit d'autres foyers, notamment américains.

RESSOURCES DE L'ACADÉMIE DE VERSAILLES

DIAPORAMA DE PRÉSENTATION DU THÈME
Un premier support pour s'approprier les enjeux et problématiques du programme limitatif ainsi que des suggestions, domaine par domaine, d'œuvres incontournables et leur mise en résonance avec d'autres œuvres, artistes et mouvements.

Ouvrages généraux

FERRIER Jean-Louis (sous la direction de), L'aventure de l'art au XXe siècle : Peinture, sculpture, architecture, Éditions du Chêne, 1999.
GAILLARD Marc, Paris, Les expositions universelles de 1855 à 1937, Les presses Franciliennes, 2003.
Montmartre, décor de cinéma, catalogue d'exposition, Musée de Montmartre, 2017.
Paris, capitale photographique, 1920/1940, catalogue d'exposition, Jeu de Paume, De la Martinière, 2009.
Paris, capitale des arts 1900-1968, catalogue d'exposition, Guggenheim Bilbao, Hazan, 2004.
MOREL JOURNEL Guillemette et COHEN Jean-Louis, Paris Moderne, 1914-1945 : Art - Design - Architecture - Photographie - Littérature - Cinéma - Mode, Flammarion, 2023.
Paris, mode, sports, catalogue d'exposition, Palais Galliera, 2024.
1905-1925, le Paris de la modernité, catalogue d'exposition, Petit Palais, 2023.
Paris-Moscou, 1900-1930, catalogue d'exposition, Centre Georges Pompidou, 1979.
Paris-Berlin, 1900-1933, catalogue d'exposition, Centre Georges Pompidou, 1992.
Paris-New-York, catalogue d'exposition, Centre Georges Pompidou, 1977.

Romans, monographies, foyers artistiques et mouvements

BERREST Anne & Claire, Gabriëlle, 2017.
BUISSON Sylvie & PARISOT Christian, Paris-Montmartre, les artistes et les lieux, 1860-1920, Terrail, 1996.
BOUGAULT Valérie, Paris Montparnasse. À l'heure de l'art moderne, 1910-1940, Terrail, 1997.
CAPELLE Laure (sous la direction de), Nouvelle histoire de la danse en occident. De la Préhistoire à nos jours, Seuil, 2020.
CHAUVEAU Sophie, Paris des peintres et des écrivains, Hazan, 2020.
COULONDRE Ariane (sous la direction de), Brancusi. L'art ne fait que commencer, Centre Pompidou, 2024.
DELORME Jean-Claude et DUBOIS Anne-Marie, Ateliers d'artistes à Paris, Parigramme, 2015.
FAUCHEREAU Serge, Avant-gardes du XXe siècle Arts & littérature (1905-1930), Flammarion, 2016.
FERRIER Jean-Louis, Les Fauves, Terrail, 2002.
FOGG Marnie, Tout sur la mode. Panorama des chefs-d'œuvre et des techniques, Flammarion, 2013.
FRANCK Dan, Bohèmes, Calmann-lévy, 1999.
GIDEL Henry, Coco Chanel, J'ai lu, 2022.
JOYEUX-PRUNEL, Les avant-gardes artistiques (1918-1945), Une histoire transnationale, Folio Histoire, 2017.
LE BAL Mathieu, Montparnasse : Quand Paris éclairait le monde, Albin Michel, 2022.
PASTORI Jean-Pierre, La danse. Des ballets russes à l'avant-garde, Découvertes Gallimard, Art, 1997.
RAGOT Gilles, Architectures modernes, 1918-1940 Paris et environs, 100 bâtiments remarquables, Parigramme, 2021.
SCHIAPARELLI Elsa, Shocking, souvenirs d'Elsa Schiaparelli, Denoël & D'ailleurs, 1954 (1ère édition).
TEXIER Simon, Paris grammaire de l'architecture XXe-XXIe siècles, Parigramme, 2009.
Alexandre Calder, les années parisiennes, 1923-1936, Centre Pompidou, 2009.
Dans l'atelier, l'artiste photographié, d'Ingres à Jeff Koons, Petits Palais, Paris Musées, 2016.
Le Cubisme, Centre Pompidou, 2018.
Pionnières. Artistes dans le Paris des années folles, Musée du Luxembourg, Flammarion, 2022.
Surréalisme, Centre Pompidou, 20124.

Nos ressources de formation

WEBINAIRE INTERACADÉMIQUE Paris-Créteil-Versailles

Formation en lien avec l'enseignement de spécialité "Paris, capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle". Webinaire organisé par les trois académies d'Île-de-France, le 13 mars 2025, auquel nous avons invité Madame Béatrice Joyeux-Prunel pour une intervention sur la question au programme.
Mme Béatrice Joyeux-Prunel est professeure en Humanités numériques à l'université de Genève et auteure de trois études sur les avant-gardes artistiques : 1848-1918, 1918-1945 et 1945-1970.
Diaporama

Replay de la conférence

Introduction : Problématisation du sujet et considérations sur la terminologie et les repères chrono-géographiques
I. Une idée contestable et contestée Contestée aujourd'hui (par les historiens), comme à l'époque (par les acteurs). « Paris, capitale des arts », « avant 1945 » : discours avant tout, une histoire de point de vue. Discours qui s'exprime dans les textes, mais aussi les œuvres, les choix de vie (trajectoires) et la géographie (urbanisme, monuments…)
II. Paris capitale comme "fonction" Considérer Paris-Capitale comme une fonction, qui peut être activée selon des stratégies diverses selon les échelles (locale, nationale, internationale) et les domaines (ou les« champs » : artistique, littéraire, cinématographique, théâtral, musical…)

Intervention de Mélie Jouassin et Thibault Maillé sur "Les ballets russes à la conquête de Paris : chorégraphie, scénographie et musique".

Fiche-synthèse	Diaporama

Intervention d'Anastasia Scepi sur "Les écrivains américains à Paris".

Ressources en ligne

LES EXPOSITIONS UNIVERSELLES
MAD : L'exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris en 1925

Interroger les transformations de l'urbanisme et le paysage urbain
Problématique : Quels sont les enjeux politiques, techniques, esthétiques qui traversent l'action urbaine lors des expositions universelles ?
Idée directrice : L'urbanisme parisien a été transformé durablement par les grands événements internationaux.
Ressources mobilisables :
_Des animations à vol d'oiseau sont proposées dans Points d'ouverture et de passage de Réseau Canopé pour les expositions de 1889 et 1900 sur la plateforme Étincel ;
_Des ensembles photographiques d'époque sont mis en ligne sur la page expositions universelles et coloniales (1889-1937) sur le site de la médiathèque du patrimoine et de la photographie de Charenton-le-Pont ;
_Des articles de presse, d'affiches, de gravures sont consultables sur Gallica de la BnF ;
_Des plans documentés sur le site Atlas historique de Paris.
Sensibiliser à l'architecture et à ses représentations.
Problématique : Quels sont les modes de représentation de l'architecture ? Que nous apprennent-ils sur la conception d'un bâtiment et la mise en œuvre des progrès techniques au temps de l'industrialisation ?
Idée directrice : l'étude des expositions est l'occasion en classe de sensibiliser les élèves à la diversité des modes de représentation de l'architecture en les invitant à nommer, identifier puis décrire les coupes, plans, élévations des principaux pavillons. En pleine révolution industrielle, ces documents sont aussi des vitrines techniques pour les différentes nations.
Ressources mobilisables :
_La base de données des collections du musée d'Orsay rend possible l'analyse sous l'angle des techniques et des nouveaux matériaux ;
_Un article rappelle le débat entre partisans de l'éclectisme ou du rationalisme. Contemporain de l'industrialisation, le développement de l'architecture métallique est encouragé à partir du Second Empire par Napoléon III, à l'origine des deux premières expositions universelles de Paris en 1855 et 1867.
Des artistes en compétition ou en marge. Problématique : Quelles conséquences dans la connaissance et la réception de l'œuvre (voire d'un artiste ou d'un groupe d'artistes) ces stratégies d'exposition ont-elles eues ?
Idée directrice : ces manifestations visent à faire connaître à un large public la création industrielle mais aussi à confronter les arts appliqués et les beaux-arts à l'industrie.
Ressources mobilisables :
_Une page du musée des arts décoratifs de Paris (MAD) est consacrée aux « rivalités » de savoir-faire entre nations ;
_La base Joconde du ministère de la Culture recense par date et lieu les œuvres exposées et les artistes en compétition ;
_On pourra s'intéresser aussi aux artistes en marge des expositions comme Rodin en 1900, âgé de soixante ans, à l'apogée de son art qui fait dresser un pavillon place de l'Alma, spécialement conçu pour présenter, pour la première fois, l'ensemble de son œuvre à Paris. Cette rétrospective va donner à l'artiste un renom international.
Les expositions universelles, rencontre entre espace architectural et mise en scène. Problématique : En quoi les expositions universelles constituent-elles une mise en scène de l'urbanité à travers l'architecture éphémère et durable ?
Idée directrice : l'idée est de montrer que la scénographie dans les expositions universelles reflète les enjeux politiques et culturels d'une époque. Éphémères, voire utopiques les pavillons témoignent de la vitalité de la création architecturale, de son exubérance et de son audace.
Ressources mobilisables :
_Le dossier de l'exposition Les Expositions Universelles, réelles ou utopiques du musée d'Orsay souligne que ces événements sont aussi conçus comme des attractions, et témoignent d'une fascination pour le rêve et le spectacle à grande échelle ;
_Se rencontrent à la fois les formes du divertissement comme l'attestent les captations d'époque rassemblées et diffusées sur l'INA, la culture populaire, et la mise en scène des nouvelles technologies ;
_Avec les expositions coloniales, le spectaculaire se déploie, à la fin du 19ᵉ siècle, puis dans l'entre-deux-guerres, sollicitant l'imaginaire exotique et le fantasme de l'ailleurs. En 1931, lors de l'Exposition coloniale, le Palais de la Porte Dorée, construit pour abriter le musée des colonies, devient le lieu d'une mise en scène de spectacles et de lumières, magnifiant la France coloniale. Une visite virtuelle du lieu devenu le musée national de l'immigration permet de découvrir l'aménagement intérieur des salles historiques, l'architecte Laprade a fait appel aux grandes figures artistiques de son époque.
Les traces des expositions universelles dans le Paris contemporain
Problématique : Dans quelle mesure l'histoire des expositions universelles participent-elles à la transformation réelle de l'espace urbain parisien ?
Idée directrice : Aujourd'hui, il est possible d'étudier avec les élèves d'autres vestiges des expositions à Paris, leurs transformations d'usage et de fonctions, leurs aménagements et réhabilitation.
Les ressources mobilisables :
_La capitale porte la trace de ces événements au sein des divers espaces utilisés dans le cadre des six expositions universelles organisées entre 1855 et 1937 ;
Des bateaux-mouches en 1867, l'éclairage électrique en 1889 au métro et édicules Art Nouveau d'Hector Guimard en 1900, les monuments comme la Tour Eiffel, les Grand et Petit palais, le pont Alexandre III, le palais de Chaillot et de Tokyo sont des héritages de ces manifestations ;
Un scénario Édubase de l'académie de Toulouse offre aux élèves de quatrième ou de première en histoire un parcours au sein des bâtiments emblématiques de l'exposition universelle de 1900, avec une recherche d'indices pour débloquer un code final.
L'exposition internationale des arts décoratifs de 1925, une vitrine de l'excellence du savoir-faire français
Problématique : En quoi l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925 participe à la définition d'un style moderne ?
Idée directrice : Cette exposition est à la fois une affirmation du prestige artistique et artisanal français, héritée d'une longue tradition et un moment de bascule vers la modernité, marquant l'émergence du style Art déco. Il s'agit de contextualiser le rayonnement de Paris à l'occasion de cette exposition.
Les ressources mobilisables :
_Une carte interactive à partir des photographies couleur ou autochromes des collections du musée départemental Albert-Kahn offre une visite virtuelle de l'exposition de 1925 le long des berges de la Seine ;
_Présenté dans un article de la Cité de l'architecture et du patrimoine et dans plusieurs articles de l'histoire par l'image, le Pavillon du Collectionneur conçu par le décorateur-ensemblier Ruhlmann incarne l'élégance, le luxe et le raffinement artisanal, emblématique de l'Art Déco à la française ;
_Une visite virtuelle permet d'identifier cette nouvelle esthétique géométrique et décorative, ses matières, ses formes et ses lignes grâce à une immersion au sein du bureau-bibliothèque de l'Ambassadeur réalisé par l'architecture et décorateur Pierre Chareau, pour le pavillon de l'ambassade française. La visite est enrichi d'un dossier du musée des arts décoratifs de Paris ;
_Les photographies de La Bibliothèque d'architecture contemporaine de la cité de l'architecture et du patrimoine, une sélection d'articles historiques, chacun consacré à un pavillon spécifique de l'Exposition. Cette série de publications donne un accès direct aux sources de l'époque, témoignant des choix architecturaux qui ont marqué cette exposition fondatrice ;
_Une page du MAD rappelle les enjeux esthétiques, la confrontation entre une tradition réinventée, incarnée par l'ensemblier Jacques Ruhlmann et des avant-gardes revendiquant un monde nouveau, et une esthétique moderne. L'exposition est agitée par un débat sur des valeurs concurrentes, l'artisanat et la mécanisation, sur l'aspect unique d'une œuvre et sur le design pour la fabrication en série ;
Le contexte de forte concurrence technique est présenté sur le site France Mémoire à l'occasion du centenaire 1925. L'année des Arts Déco, autour de trois mots clef nouveauté, immensité, modernité ;
Un dossier publié sur le site Balises de la BPI 1925. Un tournant dans les arts est richement documenté et illustré, à paraître, en maintenance.
Des ressources documentaires sur les expositions universelles
_L'histoire par l'image propose un dossier sur la thématique de expositions universelles.
La Cité de l'architecture et du patrimoine propose une introduction à l'architecture des expositions universelles
_Le site Passerelle(s) de la BnF propose une page consacrée aux expositions universelles, vitrines d'une société internationale en métamorphose.
_L'Encyclopédie numérique de l'histoire (EHNE) propose une mise au point sur les expositions universelles, lieu de compétition et d'émulation pour traiter le PPO dans le chapitre d'histoire de première tronc commun Permanences et mutations de la société française jusqu'en 1914.
_Sur Éduscol : L'article "Étudier la Tour Eiffel en histoire et en histoire des arts" fait le point sur les ressources disponibles sur l'emblème de l'exposition universelle de 1889.
Pour aller plus loin
_Podcasts : À l'occasion de l'ouverture de l'exposition universelle d'Osaka, trois podcasts sur France Culture retracent l'histoire des expositions universelles, vitrines de l'innovation.
_Conférences : La revue In Situ. Revue des patrimoines propose sur Canal-U des conférences sur l'Art Déco, son héritage et sa diffusion sur le territoire dans le cadre du centenaire de l'exposition de 1925.
_Article : Pascal Ory à l'occasion des "Rendez-Vous de l'Histoire de Blois" présente les fonctions des expositions universelles, expression de la modernité. Cette conférence a fait l'objet d'une prise de note diffusée sur le site de l'académie d'Orléans-Tours.

MARCHÉ DE L'ART
Géographie du marché parisien

PHOTOGRAPHIE
La base de données du musée Albert Kahn, des collections d'autochromes, un parcours dans la ville de Paris pour visualiser Paris dans la première moitié du XXe siècle.
BNF Gallica : Paris par l'image
BNF La photographie humaniste

PEINTURE / SCULPTURE
Les avant-gardes et l'École de Paris
Dossier sur le Surréalisme réalisé par le Centre Pompidou

DANSE
Podcast sur les Ballets russes :

La naissance des Ballets Russes, un projet politique ?
Les Ballets Russes 1911-1917
Une esthétique avant-gardiste
Les Ballets Russes et après ?
Opéra de Paris : Nijinski
Les ballets suédois : article BNF ; article du Théâtre des Champs-Élysées

CINÉMA
Article Éduscol : « Les pionniers du cinéma »
Les salles de cinéma (1900-1919)
L'école Impressioniste
Abel Gance, La roue, 1927. Article de la cinémathèque ; article du CNC
Fernand Léger, Ballet mécanique, 1924 : film, article Philharmonie de Paris, article Ciné-club de Caen ; colloque "Fernand Léger, une pensée cinématographique" musée Chastel et musée Fernand Léger
Man Ray et Marcel Duchamp, Le Mystère du château de Dés, 1929. Voir le film
Salvador Dalí et Luis Buñuel, Un chien andalou, 1924 : film ; article de la cinémathèque

MODE
Palais Galliera : collection « Première moitié du XXe siècle »
MAD : Chronologie de la mode 1715-1914
Mode Habille l'histoire : les années 20
Portail de la mode : Histoire de la mode des années 40
MAD : Paul Poiret
Coco Chanel : histoire de la maison de couture ; documentaire Les derniers secrets de Coco Chanel
Galerie Dior : Histoire de la maison Dior ; documentaire Christian Dior : le révolutionnaire

GRAPHISME & PUBLICITÉ
MAD : Petite histoire de l'affiche française
MAD : Les grands noms de l'affiche. Pour notre période → Cappiello, Carlu, Cassandre, Jules Chéret, Paul Colin, Gruau, Charles Lemmel, Loupot, Mucha, Savignac, Bernard Villemot.

ARCHITECTURE
L'histoire des arts à portée de clics : chronologie

MUSIQUE
Philharmonie de Paris, les clés du classique : Le Sacre du Printemps
Les années 20 à Paris : Podcast Joséphine Baker, Gershwin et les autres ; Podcast Au rythme des années folles

LETTRES
Article Éduscol : « Se chercher, se trouver, se construire à Paris »

RESSOURCES DES AUTRES ACADÉMIES

Académie de Strasbourg
Documents synthèse de Claire Lingenheim-Lavelle, experte disciplinaire en Histoire des arts DNE

Festival de l'histoire de l'art et Université de Printemps d'Histoire des arts 2026

Mélie Jouassin — 2026-03-23T09:18:59Z

FESTIVAL DE L'HISTOIRE DE L'ART ET UNIVERSITÉ DE PRINTEMPS DE L'HISTOIRE DES ARTS 2026

Thème : La mode
Pays invité : Le Maroc

Festival de l'Histoire de l'Art 2026

Le Festival d'Histoire de l'Art (FHA) se déroulera à Fontainebleau les vendredi 05, samedi 06 et dimanche 07 juin 2026. Pour cette 15e édition, le thème retenu est la mode et comme pays invité, le Maroc. La programmation est en cours d'élaboration et consultable en ligne sur le site dédié
L'Université de Printemps d'Histoire des Arts qui réunit les enseignants et formateurs en Histoire des arts de toutes les académies proposera, cette année, des temps de formation en distanciel et des ateliers pédagogiques en mai et juin 2026. Le programme est à venir.

Vernissage de l'exposition des élèves de l'option Histoire des arts du lycée Monod

Mélie Jouassin — 2026-03-09T13:49:11Z

UN MONDE À LIRE

Les élèves du lycée Gustave Monod d'Enghien-les-Bains ont le plaisir de vous inviter au temps fort du projet ACTE « Un monde à lire », qui aura lieu le vendredi 13 mars à partir de 8h00 au lycée Gustave Monod, dans l'amphithéâtre et au CDI.

C'est dans le cadre d'un Projet ACTE que près de 300 élèves du lycée Gustave Monod, de toutes filières, ont pu organiser cette demi-journée, qui sera ponctuée par des rencontres avec trois écrivain.es et par une exposition sur l'univers du livre.

Ce projet s'est fait en partenariat avec le Centre des Arts, les Tréteaux de France, les médiathèques et librairies d'Enghien-les-Bains et de Saint-Gratien, et le Jardin des métiers d'Art et du Design, que nous remercions vivement pour leur contribution à ce projet.

L'exposition se poursuivra jusqu'aux congés d'avril au CDI du lycée.

Ce travail a été encadré, du côté des enseignant.es, par Mmes Abderrahmane, Dumas, Feki, Goudé, Guillemot, Mary, Mirsalis, Vadelorge, et MM. Courant, Jamali, Le Clech.

Rencontres Art et Engagement, musée du Louvre

Mélie Jouassin — 2026-03-09T13:36:09Z

Rencontres Art et Engagement.

Les rencontres Art et engagement se tiendront jeudi 26 mars à l'Auditorium du musée du Louvre, autour de la thématique de l'Habitat

9ᵉ édition sur la thématique de L'Habitat
Jeudi 26 mars 2026 / 14h – 18h

Voici quelques noms d'intervenant·es qui participeront à cette édition :

_Shigeru Ban, architecte (qui ouvrira les Rencontres la semaine précédente à Sciences Po)
_Bianca Bondi, artiste
_Hanna Assouline et Aïda Tavakoli pour les Guerrière de la Paix
_Philippe Rahm, architecte
_Saar Harari, danseur
_Amandine Nana, curatrice au Palais de Tokyo
_Asim Waqif, artiste
_Stéphanie Quantin-Biancalani, Conservatrice en chef, Service de l'architecture, Musée national d'art moderne - Centre Pompidou
_Manuela Jardim, artiste
_Marion Fayolle, Autrice, illustratrice
_ONGs : Fondation pour le logement, Petits Frères des Pauvres, Habitat et humanisme

Contact : Hélène de Montalembert
Chargée de programmation et de production
+33 (0) 6 47 97 17 60
helene@thanksfornothing.fr

Musée du Louvre

Mélie Jouassin — 2026-01-30T12:51:41Z

APPELS À PROJET MUSÉE DU LOUVRE_2026-2027

Images et estime de soi

_Le projet
Ce programme éducatif invite les élèves, à travers les œuvres du Louvre, à questionner les stéréotypes de beauté et leur impact sur l'estime de soi.
En croisant découverte des représentations du corps et pratiques artistiques, il sensibilise aux effets des images sur la santé mentale et fait écho à l'omniprésence de celles-ci et des réseaux sociaux.
Le projet associe formation, visite guidée, ressources pédagogiques, temps de pratique artistique et valorisation au musée.
_Pour qui ?
Projet d'éducation artistique et culturel (PREAC) pour les classes de lycées professionnels des académies de Paris, Créteil ou Versailles (toutes filières).
_Quand ?
À partir de septembre 2026.
_Comment ?
Déposez votre candidature dès à présent jusqu'au lundi 9 février inclus.
En savoir plus et déposer une candidature

Métiers d'art et du Louvre

_Le projet
Ébénisterie, dorure, encadrement, tapisserie…
Dans le cadre des Journées Européennes des Métiers d'Art, le Louvre vous propose de faire découvrir à vos élèves le quotidien des professionnels qui œuvrent pour magnifier les œuvres et leur présentation.
Au cours d'une visite exceptionnelle dans les coulisses du musée, venez à leur rencontre, et suscitez des vocations chez vos élèves !
_Pour qui ?
Classes de 4e, 3e, 2de prépa-pro.
_Quand ?
Entre le 7 et le 12 avril : une rencontre d'1h30 avec des professionnels des métiers d'art.
En avril ou mai : visite guidée ou en autonomie du musée, pour prolonger vos découvertes.
_Comment ?
Déposez votre candidature jusqu'au vendredi 20 février 2026 inclus.
En savoir plus et déposer une candidature

Formations Lycée_2025-2026

Béatrice Jaffre, Mélie Jouassin — 2026-01-28T15:06:00Z

FORMATIONS LYCÉE ENSEIGNEMENTS OPTIONNEL ET DE SPÉCIALITÉ - 2025-2026

Formatrices : Béatrice Jaffré & Mélie Jouassin

JOURNÉE 1 - MERCREDI 15 OCTOBRE 2025

Formation en lien avec l'enseignement de spécialité en terminale "Paris, capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle"

Visite guidée de l'exposition « Paul Poiret, la mode est une fête »
Intervention sur la mode "De la Belle époque à Christian Dior"

Ressources de l'intervention

JOURNÉE 2 - FORMATION INTERACADÉMIQUE Paris-Créteil-Versailles- VENDREDI 05 DÉCEMBRE 2025

Formation à l'INHA

Lycée Paul Langevin, Suresnes

JOUASSIN Mélie, PINEAU Laure & LE MÉNÉDEU Alix

L'équipe du lycée Paul Langevin, à Suresnes, propose comme fil conducteur de la 2nde à la Tle, un ancrage très fort dans la danse. Cette passion commune créé un lien ténu sur les trois années de scolarité des élèves et permet de travailler en interdisciplinarité avec les Arts plastiques, les Lettres ou la Philosophie.
L'enjeu est double, il s'agit tout d'abord, d'essaimer dans les programmes des études de chorégraphies et d'aborder tous les styles de danse faisant ainsi le pari que le spectacle vivant, la fréquentation des lieux et des ballets classiques, modernes et contemporains offrira une ouverture positive aux élèves qui sont issus, pour la plupart, de milieux modestes. L'équipe pédagogique aspire vivement à amener les élèves là où ils n'iraient pas.
La danse est un art instinctif, moins littéraire que le théâtre, plus abordable que le cinéma (qui a déjà son propre dispositif en lycée). La danse, elle, parle à tous les corps, adolescents ou adultes, on la reçoit en plein cœur, de manière charnelle et évidente. La danse se passe bien souvent de mots et notre objectif pédagogique est de faire vivre aux élèves des moments de grâce, les remuer, les déplacer dans leur expérience sensible et, in fine, les amener vers un ailleurs.

Lycée Lycée Gustave Monod, Enghien-les-Bains

VADELORGE Virginie & ALLIOT Frédéric

En option histoire des arts, le thème de terminale « Musée, musées » est l'occasion de porter notre regard ailleurs. Cet ailleurs est pensé au lycée Gustave Monod d'Enghien-les-Bains comme :
_Un ailleurs géographique : en dehors de l'Europe occidentale
_Un ailleurs culturel : les cultures et civilisations extra-européennes
_Un ailleurs temporel : le futur des musées, le passé et le présent des spoliations et acquisitions.
On peut ainsi faire fructifier en classe deux regards :

I/ un regard sur l'ailleurs extra-européen tel qu'on l'observe dans les acquisitions récentes et la création de nouveaux musées ;
Deux questions simples au cœur du programme permettent par exemple de mettre en œuvre ce regard.
1/ Comment les musées acquièrent-ils des œuvres ?
L'activité proposée aux élèves est de choisir en début de séquence une reproduction dans un corpus qui regroupe des œuvres acquises récemment (après 2010) par divers moyens (achat en vente publique, don, souscription publique, achat conjoint de musées, etc.).
Les élèves produisent tout d'abord une description écrite détaillée de l'œuvre. Puis, ils et elles sont invités à saisir dans un moteur de recherche le nom de l'artiste, le titre de l'œuvre ainsi que le mot « acquisition » pour alors déterminer quel musée a acquis l'œuvre et par quel moyen (éventuellement à quel prix). La fin de la séquence amène chacun à présenter brièvement l'œuvre étudiée au groupe, en insistant sur les modalités d'acquisition puis de produire collectivement une brève synthèse sur ces modalités.

C'est bien sûr dans la constitution du corpus que l'enseignant peut ouvrir et guider le regard des élèves. Au-delà de la contrainte première évoquée plus haut, la vingtaine d'œuvres sélectionnée essaie d'en respecter d'autres plus générales. Il s'agit par exemple de varier les types d'œuvres (peinture sculpture, photographie, mobilier, installation) ou d'être attentif à la présence d'artistes féminines. Deux œuvres d'artistes extra-européens sont aussi proposées :

• El Anatsui, In the World But Don't Know the World. (2009, fils d'aluminium et de cuivre, 560x1000 cm. Acquisition conjointe du Stedelijk Museum Amsterdam et du Kunstmuseum Bern, avec le soutien de l'Association Rembrandt).
L'installation de l'artiste ghanéen qui travaille au Nigéria est une tenture monumentale comme tissée d'éléments métalliques. Elle suscite au premier regard des questionnements forts chez les élèves. L'observation plus poussée (notamment grâce à des photos de détails) déclenche alors un intérêt franc pour le travail de l'artiste.
• Marcos Lòpes & RES, La conquista. (1991, photographie argentique, 23,8×17,8 cm, œuvre donnée au MOMA en 2024 par la galerie Rolf Art de Buenos Aires via le Latin American and Caribbean Fund). Cette photographie est un élément d'une série témoignant d'un happening qui a pris place au cœur d'une exposition collective de quarante artistes, conçue comme une réponse ironique au cinquième centenaire de la colonisation des Amériques.
Une autre œuvre, d'origine européenne, quant à elle, pose pourtant la question du regard porté et projeté par les européens du 18e siècle sur les populations extra-européennes. Il s'agit du Portrait d'Omaï par Joshua Reynolds (1776, huile sur toile, 236x145,5 cm, acquis conjointement par la National Portrait Gallery et le Musée J. Paul Getty en 2023).
2/ Musées du 21e siècle.
C'est une séquence où l'on découvre et discute des questions géographiques et géopolitiques liées à la mondialisation du phénomène muséal. Après la réalisation d'un croquis illustrant la répartition des musées dans le monde (données Krystof Pomyan, une histoire mondiale des musées), les élèves, par petit groupes, sont invités à lire et comprendre des transcriptions papier de documents numériques (articles en ligne, interview radiophoniques, textes officiels) concernant l'ouverture de nouveaux musées dans le monde. Affirmation nationaliste, volonté de soft-power, tensions liées aux spoliations coloniales ou partenariat avec des institutions occidentales sont en particulier les idées qui nourrissent ensuite les discussions collectives.

II/ un regard sur un ailleurs géographique, culturel et temporel : l'histoire de la restitution de 26 œuvres au Bénin, en Afrique subsaharienne.
C'est un sujet susceptible de mobiliser la curiosité des élèves, mais qui peut soulever des difficultés, notamment celle de trouver un corpus qui ne soit pas trop aride, car savant. L'étude de Dahomey, film de Mati Diop, qui suit pendant dix jours le voyage de retour de 26 Trésors royaux du Bénin, du Quai Branly vers leur patrie d'origine, va pallier une grande partie de ces difficultés. Le film présente plusieurs intérêts :
_Trouver des moyens de monstration des œuvres
_Problématiser les questions sur les restitutions et les rendre concrètes
_Proposer une réponse de cinéma : ce n'est pas un documentaire, mais un « documentaire fantastique » selon Mati Diop, qui va donc donner une forme spécifique à la question des restitutions.
Pour préparer les élèves à la séance, on travaille d'abord sur une chronologie comparée Bénin / France selon un double point de vue : celui de l'histoire politique, et celui de l'histoire culturelle.
Qu'analyser dans le film ?
1/ Une réflexion sur le statut des objets
_La multiplicité des discours sur les objets souligne l'ampleur des questions sur leur statut, et permet de ne pas avoir de réponse ferme sur les sujets abordés
_La technique de montage parallèle crée des superpositions de ces discours, ce qui permet de ne pas établir de hiérarchie entre ces discours et de souligner le statut extrêmement mouvant des objets.
_La mise en scène de différents voyages est un moyen de rendre compte de la façon dont les changements de lieu ont affecté le statut des objets au cours de leur histoire (comme le montre la carte des « translocations » établie par Bénédicte Savoy)
2/ Un renversement des regards et des voix
_En donnant à voir et entendre le point de vue béninois (les regards de nouveaux sujets), via une mise en voix (voix in, voix through) de discours officiels, de discours sur les objets par des spécialistes, de discours fortement incarnés par des étudiants, d'un « discours muet » de personnes silencieuses => une multiplicité de voix pour pallier les voix qui n'avaient pas été entendues jusqu'ici, resocialiser les œuvres et montrer leur réappropriation.
_En donnant à voir et entendre le point de vue de l'objet - étude des éléments qui montrent son point de vue et sa subjectivité : l'usage de la première personne, les effets de caméra subjective, la voix dont est pourvue la statue, une parole poétique prononcée en langue fon, une traduction de cette langue en écriture inclusive - la forme même du film est hybride - des effets « fantastiques » d'animation des objets. Plutôt que de restituer la vue et la vie, le film entreprend de réinventer ces œuvres en les libérant du statut d'objets pour devenir sujets, et renverser les regards, de sorte que « 26 » peut dire : « je me vois à travers vous ».

Que proposer pour nourrir la séquence après avoir étudié ce film ?
1. Insérer Dahomey dans un corpus cinématographique
Intérêts :
a. un corpus cohérent d'œuvres de la même discipline artistique
b. analyser différentes modalités du cinéma sur le même sujet : depuis l'Europe, l'essai filmique de 1953 Les Statues meurent aussi ; depuis l'Europe, mais depuis le point de vue ghanéen, le court-métrage documentaire You Hide Me de Nii Kwante Owoo ; depuis l'Afrique, pour trouver une voix à soi : un extrait de la fiction La Noire de... d'Ousmane Sembène,
Axes d'analyse comparée :
_Le traitement de la voix, comme moyen d'émancipation
_Le traitement des regards des cinéastes : comparer la façon de porter le regard sur les objets
2. Mener des recherches permettant d'écrire, sur la suggestion d'Arno Bertina, la lettre de demande de prêt, de la part d'un conservateur béninois à un musée européen, d'une œuvre européenne, pour une exposition de confrontation à une des 26 œuvres restituées (une œuvre à fonction religieuse, une œuvre à fonction symbolique de puissance par exemple).

En conclusion de cette séquence :
Le film pose la question des modalités d'existence des œuvres aujourd'hui, quand elles sont passées d'un musée à un autre. A cet égard, le film n'est pas une critique radicale des réticences muséales européennes, mais comporte des questions importantes pour l'avenir des musées.
Le film peut nous interroger sur certaines catégories de questions que nous posons traditionnellement aux œuvres (l'originalité d'une œuvre par sa datation et son lieu de production par exemple), et sur un possible ailleurs de notre histoire de l'art.

JOURNÉE 3 - VENDREDI 16 JANVIER 2026

Formation en lien avec l'enseignement de spécialité en terminale "Paris, capitale des arts dans la première moitié du XXe siècle"
Intervenant : Nachiketas WIGNESAN, enseignant et formateur en Histoire du cinéma et analyse de films.

Nos coups de coeur 2025-2026

Béatrice Jaffre, Elsa Vincent, Gildas Morin, Mélie Jouassin — 2026-01-28T09:44:00Z

Sophie CRAS et Charlotte Guichard, Vendre son art, de la Renaissance à nos jours, Seuil, L'univers historique, 2025.
En lien avec le programme de 1ère spécialité et l'étude thématique V "La valeur économique de l'art : le marché, l'économie, leurs lieux et leurs acteurs"

L'ouvrage cherche à remettre les artistes et leurs œuvres au cœur des interrogations sur le marché de l'art et à faire percevoir la complexité des relations économiques, sociales et personnelles qui, de la Renaissance à nos jours, le structurent. Il dépasse ainsi l'idée d'un marché de l'art qui s'imposerait aux acteurs et artistes en mettant en lumière la manière dont ces derniers ont façonné le marché de l'art, se sont appuyés sur lui, et ont ainsi défendu leur art et gagné leur vie. Parallèlement, les relations au sein du marché de l'art ont infléchi les pratiques artistiques. Les deux chercheuses s'intéressent au premier marché, qui débute dans l'atelier, lieu des transactions avec différents acteurs, et montrent comment la négociation du prix fixé a vu ses critères et ses règles évoluer au fil des époques. Les autrices montrent aussi comment les œuvres n'ont pas attendu l'invention de la photographie pour être reproduites et comment le marché s'est depuis longtemps fondé sur une « économie du multiple ».

doc2408|largeur=180|left>Loïc PRIGENT, Mille milliards de rubans, La vraie histoire de la mode, 2025.
En lien avec "Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle"

Ce petit ouvrage est écrit avec verve et intelligence par Loïc Prigent, documentariste français spécialisé dans la mode et auteur de nombreux reportages passionnants sur cet univers. Ce premier tome (deux autres sont à prévoir) raconte "la couture française et internationale, du XIXe siècle à l'ouverture de la première boutique Coco Chanel en 1913. La naissance des grands couturiers, les clientes-stars, les débuts de la commercialisation de masse par l'industrie, les dessus et les dessous de cette exception française sont révélés. Comment la mode est-elle devenue la mode ? Comment le système s'est-il mis en place ? Qui a mis au point les machines, les prospectus, les vitrines, la frivolité comme modèle économique ? Qui a décidé du rythme des collections ? Qui a eu l'idée d'ajouter des étiquettes ? Des défilés et les mannequins ?"

Première optionnel : Le siècle d'or hollandais, des primitifs flamands à l'école baroque

Mélie Jouassin — 2026-01-23T08:05:46Z

Programme limitatif pour l'enseignement de optionnel d'histoire des arts en classe de première pour l'année scolaire 2026-2027
Note de service du 29-12-2025 (NOR : MENE2536492N)
_Les objets d'étude du programme de l'enseignement optionnel d'histoire des arts en classe de première sont définis et renouvelés par publication au Bulletin officiel de l'éducation nationale. Ils portent sur un genre, une forme, une pratique, un courant, une tendance ou un mouvement artistique, définis chronologiquement et géographiquement. Une liste limitée d'œuvres de référence est publiée à titre indicatif, à l'appui du programme limitatif.
_Pour l'année scolaire 2026-2027, l'objet d'étude a été publié au B.O. n° 4 du 22 janvier 2026

Extrait du B.O.

Le siècle d'or hollandais : des primitifs flamands à l'école baroque

La période qui s'est ouverte à la fin du XVIe siècle dans les provinces septentrionales des Pays-Bas est connue comme l'âge d'or de la peinture néerlandaise. Délivrées du joug espagnol, dotées d'une large autonomie, les provinces de la nouvelle république connaissent un fleurissement économique et culturel impressionnant. Portée notamment par une bourgeoisie d'affaire, cette activité organisée autour du commerce des richesses coloniales et de l'esclavage, bénéficie d'une puissance maritime et militaire considérable, et sur le plan religieux, de l'émergence du calvinisme comme force majeure.

Cas d'école pour l'histoire de l'art, l'étude du siècle d'or hollandais engage à identifier les effets d'un tel contexte sur la production artistique foisonnante du XVIIe siècle hollandais. Pourront ainsi être abordées les influences sur la nature même des productions (peintures, porcelaines, tissus), sur les formes, les genres et les thèmes abordés (les scènes de genre, la place du portrait et de la nature morte, l'abandon des sujets religieux) ; mais également, les effets des bouleversements économiques et religieux dans l'organisation du système de production artistique (ateliers, mécènes, commanditaires) et du marché de l'art pictural flamand.

La liste indicative d'œuvres de référence à l'appui du programme est :

Œuvres plastiques

Peinture

Ludolf Bakhuizen (1630-1708), Coup de vent, 1660-1663, huile sur toile, 46 x 66 cm. Musée du Louvre, Paris ;
Gerrit Adriaensz Berckheide (1638-1698), Amsterdam, la courbure d'or dans le Herengrach, 1671-1672, huile sur panneau de bois, 42,5 x 57,9 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Adriaen Brouwer (1605-1638), À la taverne, vers 1630, huile sur panneau de bois, 36 x 37 cm. Alte Pinacotheke, Munich ;
Pieter Claesz (1597-1661), Vanité-nature morte, huile sur toile, 39,5 x 56 cm, 1630. Mauritshuis, La Haye ;
Jan Davidszoon De Heem (1606-1684), Nature morte au homard, 1643, huile sur toile, 102,5 x 79,2 cm. Wallace Collection, Londres ;
Pieter Hendricksz De Hooch (1629-1684), Une partie musicale, 1667, huile sur toile, 52,1 x 58,7 cm. Royal Collection of the United Kingdom ;
Emanuel De Witte (1617-1692), Intérieur d'église, huile sur toile, 55 × 44 cm, (vers 1669). Musée du Louvre, Paris ;
Frans Francken II Le Jeune (1581-1642), Un cabinet d'art et de curiosités, 1636, huile sur toile, 86 x 120 cm. Kunsthistorisches Museum, Vienne ;
Frans Hals (1580-1666), La Bohémienne, 1628-1630, huile sur panneau de bois,58 x 52 cm. Musée du Louvre, Paris ;
Meindert Hobbema (1638-1709), Le Moulin à eau, vers 1664, huile sur toile, 62 x 85,2 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Maria Van Oosterwijk (1630-1693), Nature morte, vers 1690, huile sur toile, 78,6 x 103,5 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Frans Post (1612-1680), Un moulin à sucre tourné par l'eau avec les fours où on cuit le liquide de la canne dont on fait le sucre, 1650-1655, huile sur toile, 117 x 167 cm. Musée du Louvre, Paris ;
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn dit REMBRANDT (1606/1607-1669), La Leçon d'anatomie du docteur Tulp, 1638, huile sur toile, 169,5 x 216,5cm. Mauritshuis, La Haye ;
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn dit Rembrandt (1606/1607-1669), La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch, dite « La ronde de nuit », 1642, huile sur toile, 379,5x 453,5 cm, Rijksmuseum, Amsterdam ;
Petrus-Paulus Rubens dit Pierre-Paul Rubens (1577-1640), L'Enlèvement des filles de Leucippe, 1618, huile sur toile, 224 x 210 cm. Alte Pinakothek, Munich ;
Pieter Jansz Saenredam (1597-1665), Ancien hôtel de ville d'Amsterdam, 1657, huile sur panneau de bois, 65,5 x 84,5 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Jan Havickszoon Steen (1626-1679), Fête dans une auberge, 1674, huile sur toile, 117 x 161 cm. Musée du Louvre, Paris ;
Willem Jansz Van Aelst (1627-1683), Nature morte avec des fleurs, 1665, huile sur toile, 79 × 60 cm. Musée Thomas-Henry, Cherbourg ;
Willem Van De Velde dit le Jeune, Le Coup de canon, vers 1680, huile sur toile, 78,5 x 67 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Bartholomeus Van Der Helst (1613-1670), Banquet de la garde civile d'Amsterdam fêtant la Paix de Münster, 1648, huile sur toile, 232 x 547 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Jan Van Der Heyden (1637-1712), Oudezijds Voorburgwal, Amsterdam, vers 1670, huile sur panneau de bois, 41,4 x 52,3 cm. Mauritshuis, La Haye ;
Jan Van Der Meer dit Johannes Vermeer ou Vermeer de Delft (1632-1675), L'Art de la peinture, 1666, huile sur toile, 120 x 100 cm. Kunsthistorisches Museum, Vienne ;
Antoon Van Dyck (1599-1641), Portrait de la famille Lomellini, 1626-1627, huile sur toile 259 x 264 cm. Scottish National Gallery, Edinburgh ;
Frans Van Mieris l'Ancien (1635-1681), Scène d'auberge ou La Déclaration d'amour, 1658-1659, huile sur bois, 42,8 x 33,3 cm. Mauritshuis, La Haye ;
Adriaen Van Ostade (1610-1685), Paysage avec un vieux chêne, 1640, huile sur panneau, 33,5 x 46,5 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Jacob Van Ruisdael, Paysage avec une cascade, vers 1668, huile sur toile, 142,5 x 196 cm, Rijksmuseum, Amsterdam ;
Salomon Van Ruysdael (1602-1670), Le chemin de la dune avec une diligence (après la pluie), 1631, huile sur toile, 56 x 86,4cm. Musée des Beaux-Arts, Budapest.

Sculpture

Hendrick De Keyser (1565-1621), Érasme de Rotterdam, 1622, bronze, 223 x 110 x 150 cm. Rotterdam ;
Bartholomeus Eggers (1637-1692), Cénotaphe du Lieutenant-Admiral Jacob van Wassenaer Obdam, 1665, marbre. Église Saint James, La Hague ;
Artus Quellinus I (1609-1668), Les Quatre Continents rendant hommage à Amsterdam, 1650, terre cuite, 90 x 415 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Artus Quellinus II, Saint Jérôme, XIIe siècle, bois de chêne ; 186.5 x 55 x 40 cm. Musée des Beaux-Arts, Gand ;
Rombout Verhulst (1624-1698), Buste d'Antonio Lopes Suasso, vers 1685, marbre, 48 x 64 cm. Musée, Amsterdam.

Estampe

Nicolaes Berchem (1620-1683), Vaches s'abreuvant, 1680, eau-forte, 23,58 x 37,46 cm. Musée Condé, Chantilly ;
Frederik De Wit (1630-1706), Mappemonde, Nova Orbis Tabula in Lucem Edita, 1662, 48 x 59,3 cm. Bibliothèque Royale de Belgique, Bruxelles ;
Hendrick Goltzius (1558-1617), Portrait de Dirck Volckertsz. Coornhert, entre 1591 et 1592, gravure sur cuivre, 43,9 x 31,9 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Jan Luyken (1649-1712), Moïse devant le buisson ardent, 1697, gravure à l'eau-forte, 31 x 21 cm. Collection privée, Saint-Petersbourg ;
Allaert Van Everdingen (1621-1675), Roman de Renard, 1650, série de 57 gravures à l'eau-forte. Collection Dutuit ;
Jacob Van Ruisdael (1628-1682), Le Champ de blé, 1648, gravure à l'eau-forte. Palais des Beaux-Arts, Lille ;

Œuvres architecturales

Lieven De Key (1560-1627), Vleeshal, 1601. Haarlem ;
Hendrick De Keyser (1565-1621), Stadhuis, 1642-1648. Delft ;
Paulus Moreelse (1571-1621), Catharijnepoort (Porte Sainte-Catherine), 1626, démolie vers 1850. Utrecht ;
Jacob Van Campen (1596-1657) et Pieter Post (1608-1669), Mauritshuis, 1644. La Haye.

Œuvres musicales

Peeter Cornet (vers 1570-1633), Salve Regina, pièce pour orgue, début XVIIe siècle (probablement entre 1610 et 1630) ;
Roland De Lassus (1532-1594), Stabat Mater Dolorosa, 1585, motet à 8 voix ;
Nicolas à Kempis (vers 1600-1675), 27 Symphonia op. 3 ;
Géry de Ghersem (entre 1573 et 1575 -1630), Missa Ave Virgo sanctissima, 1598, messe parodie à 7 voix ;
Carolus Hacquart (1640-1701), Triomfeerende Min (L'Amour victorieux),1678, opéra ;
Herman Hollanders (vers 1595 - vers 1640) Parnassus ecclesiasticus, 1631, pièces vocales à 4 et 8 voix, cordes et basse continue ;
Constantijn Huygens (1596-1687), Pathodia sacra et profana occupati, 1647, psaume ;
Peter Philips (1560/61-1628) Pavane, Gaillarde Dolorosa,1593, pièces pour clavecin ;
Samuel Scheidt (1587-1654), (élève de Sweelinck, a vécu à Amsterdam), Ludi Musici (1621), musique de chambre instrumentale ;
Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621), Est-ce Mars ?, vers 1600, pièce pour orgue ;
Adrianus Valerius (1575-1625), Wilhelmus (1621), pièce pour luth ;
Nicolas Vallet (vers 1583 - vers 1642), Le secret des muses, 2 volumes 1615 et 1616, pièces pour luth ;
Abraham Van Den Kerckhoven (vers 1618-1702), Fantaisies pour orgue, (probablement entre 1660 et 1680) ;
Jacob Van Eyck (1590-1657), Der Fluyten Lust-hof (Le jardin des délices, récital pour flûte seule), 1649, recueil en deux parties ;
Jan Baptist Verrijt (vers 1600-1650), Flammæ divinæ, opus 5, 1649, Motets.

Œuvres critiques, littéraires et philosophiques

Willem IJsbrantsz Bontekoë (1587-1657), Relations de divers voyages curieux données au public par M. Melchisedec Thévenot. Tome 1 : Relation ou Journal du voyage de Bontekoe aux Indes orientales, 1696 ;
Pierre Brachin (1914-2004), La littérature néerlandaise, 1962 ;
Jacob Cats (1577-1660), Sinne-en minnebeelden (« Livre d'emblèmes »), 1618 ;
Jacob Cats (1577-1660), Houwelick (« Mariage »), 1625 ;
Jacob Cats (1577-1660), Trou-Ringh (« Anneau de mariage »), 1637 ;
Marcel Doisy (1916- ), Études : Vondel, Ibsen, Pirandello, 1951 ;
Hugo de Groot dit Hugo Grotius (1583-1645), Mare liberum (« De la liberté des mers »), 1609 ;
Hugo de Groot dit Hugo Grotius (1583-1645), Le droit de la guerre et de la paix, tomes 1 et 2, 1625 ;
Pieter Corneliszoon Hooft (1581-1647), Emblemata amatoria (« Emblèmes d'amour »), 1611 ;
Pieter Corneliszoon Hooft (1581-1647), Geeraerdt van Velsen, 1613 ;
Pieter Corneliszoon Hooft (1581-1647), Granida, 1615 ;
Pierre Mesnard (1900-1969), « Pour le tricentenaire de Vondel, le plus grand tragique chrétien » (pages 6-21) dans Revue de Littérature comparée,1965 ;
Wisse Alfred Pierre Smit (1903-1986), Pierre BRACHIN (1914-2004), Vondel (1587-1679), contribution à l'histoire de la tragédie au XVIIe siècle, 1964 ;
Baruch Spinoza (1632-1677), Éthique, 1677 ;
Jacques Voisine (1914-2000), « Un grand tragique du XVIIe siècle : Vondel » (pages 109-123), dans Revue de Littérature comparée,1965 ;
Joost van den Vondel (1587-1679), Cinq tragédies : Gisbert d'Amstel (1637), Joseph à Dothan (1640), Lucifer (1654), Jephté (1654), Adam exilé (1664) ;
On peut signaler l'adaptation en français de la tragédie Joseph à Dothan de Vondel par Jean Giono (1895-1970) : Domitien suivi de Joseph à Dothan, 1959.

À noter également :

Les Elzevier ou Elzevir, grande famille de typographes et d'imprimeurs du XVIIe siècle qui imprime des ouvrages en français, entre autres : Maximes de La Rochefoucauld, Lettres Provinciales de Blaise Pascal et Tartuffe de Molière ;
Jan Luyken (1649-1712), connu pour ses gravures du Miroir des martyrs (1685) et du Théâtre des martyrs depuis la mort de J. Christ jusqu'à présent (1700).

Œuvres cinématographiques et vidéographiques

John Crawley, The Goldfinch (Le Chardonneret), 2019, couleur, 149 minutes, États-Unis ;
Peter Greenaway (1942- ), Nightwatching (La Ronde de nuit), 2007, couleur, 134 minutes, Royaume-Uni, Pays-Bas, États-Unis, Pologne, Canada, France, Allemagne ;
Jannik Johansen, Rembrandt, 2003, couleur, 108 minutes, Danemark ;
Peter Webber (1968- ), Girl with a Pearl Earing (La Jeune fille à la perle), 2004, couleur, 100 minutes, Royaume-Uni, Pays-Bas, États-Unis.

Objets d'art et artisanat d'art

Anonyme, Tableau de faïence figurant un navire sur les eaux, portant pavillon de la Compagnie néerlandaise des Indes Orientales (VOC), chambre d'Amsterdam, 1625-1650, céramique, glaçure stannifère, 91 x 65,5 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Anonyme, Navire de guerre hollandais, 1648, bois, corde, plomb, textile et peinture, 117 x 113 x 52 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Anonyme, Kunstkast (Cabinet de curiosités miniature), vers 1675, 132 x 43 x 173 cm. Musée du Louvre, Paris ;
Joan Blaeu, Atlas Maior ou Theatrum Orbis Terrarum, 1662-1672, gravure sur cuivre colorié à la main, 55 x 35 cm. Bibliothèque nationale, La Haye ;
Christiaan Huygens (1629-1695), L'Horloge astronomique, 1665-1675, 120 x 29 x 24 x 13 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Christiaan Huygens (1629-1695), Lunette astronomique, 1683, diamètre 4 cm. Rijksmuseum, Amsterdam ;
Cornelis Van Bellekin, Nautile gravé : Diane au bain (profil droit), Bacchus (profil gauche), vers 1600-1680, coquille de nautile (nacre) gravée et noircie, bois tourné, bronze doré, 15 x 20 cm. Muse du Louvre, Paris ;
Johannes Van Ceulen (vers 1640-1703), Horloge de table, vers 1695, armoire en chêne plaquée d'ébène, padouk et bois fruitier, 42 x 28 x 14,5 cm ;
Antoni Van Leeuwenhoek (1632-1723), Microscope Leeuwenhoek, vers 1673, exemplaire présent au Musée universitaire d'Utrecht.

La liste proposée est indicative et pourra être complétée par d'autres ressources pertinentes, notamment accessibles dans l'environnement proche des élèves.

Terminale spécialité : programme limitatif « Nature ? »

Mélie Jouassin — 2026-01-23T07:41:51Z

Programme limitatif pour l'enseignement de spécialité d'histoire des arts en classe terminale pour l'année scolaire 2026-2027
Note de service du 29-12-2025 (NOR : MENE2536492N)
_Le programme d'enseignement de spécialité d'histoire des arts institue trois questions limitatives, qui s'inscrivent dans les trois thématiques : un artiste en son temps ; arts, ville, politique et société ; objets et enjeux de l'histoire des arts. Elles sont définies et renouvelées par publication au Bulletin officiel de l'éducation nationale, de la jeunesse et des sports.
_Pour l'année scolaire 2026-2027, les trois questions ont été publiées au B.O. n° 4 du 22 janvier 2026

Extrait du B.O.

Objets et enjeux de l'histoire des arts : Nature ?

question renouvelée pour 2026-2027

Considérée tout à la fois comme thème, objet et matériau pour l'artiste, la nature s'impose à l'histoire des arts par la place centrale qu'elle tient dans les productions et dans les travaux théoriques, s'y révélant comme un élément consubstantiel à la création, origine et horizon immédiat de tout artiste.

Cette question du programme limitatif permet d'aborder l'évolution du traitement du concept de nature par les arts ainsi que les effets de construction culturelle, sociale et historique qui sont à l'œuvre dans ce processus, s'attachant à rendre sensibles pour les élèves les enjeux esthétiques, artistiques et techniques ainsi mobilisés.

Elle s'appuie sur l'étude diachronique des productions artistiques pour inscrire la diversité des formes artistiques en regard de ces évolutions, de la fusion originelle aux ruptures technicistes en passant par les naturalismes.

Ne se limitant pas au seul paysage, elle éclaire les glissements qui conduisirent de l'idée ou du sentiment de nature dans l'art aux formes artistiques produites dans ou avec la nature.

Elle est conduite à partir d'œuvres emblématiques empruntées à la peinture, à la sculpture, à l'architecture, mais également à la musique et aux lettres ainsi qu'au cinéma. Certaines de ces références sont empruntées à plusieurs aires culturelles et géographiques extra-occidentales afin d'observer la diversité des traductions de ce concept dans les arts étudiés.

Arts, ville, politique et société : Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle

Berceau de multiples avant-gardes, de courants artistiques, Paris s'est affirmée, tout au long de la première moitié du XXe siècle, comme la capitale des arts. Avant que ne s'opère au milieu du siècle le basculement qui, comme l'écrit Harold Rosenberg dans son article sur la chute de Paris[1], « ferma le laboratoire du XXe siècle », la capitale française devient le point de convergence des artistes du monde entier, attirés par une nouvelle dynamique créative alliée à de nouvelles formes d'expression et d'existence « bohème ». Les rapprochements entre acteurs clés du mouvement moderne et les artistes venus d'autres pays contribuent, autant qu'ils en sont la conséquence, à la vitalité et à la fertilité de la création artistique. Reste à en analyser les raisons esthétiques, matérielles et politiques.

Cette position centrale de Paris s'observe tout autant dans les différents champs de la création (la peinture, la sculpture, la photographie, l'architecture ; la musique, la danse, les lettres, la mode, etc.), dans l'activité du marché de l'art (et des galeries), que dans l'inscription de la vie artistique dans la géographie de Paris. Les déplacements des foyers de création d'un quartier de la ville à l'autre laissent des traces dans la vie des cafés, cabarets, galeries, ateliers, académies que fréquentent les artistes. Cette question du programme limitatif appelle donc à envisager la vie artistique parisienne, entre création, histoire sociale et contingences politiques des arts.

S'il est vain de fixer arbitrairement les événements ou les dates qui ouvriraient et clôtureraient cette période, il peut en revanche s'avérer particulièrement stimulant d'interroger les éléments de contexte, d'identifier les dynamiques, y compris en termes de politiques culturelles, qui ont favorisé l'émergence de Paris comme capitale des arts, et ce qui a pu conduire à son déclin au milieu du XXe siècle au profit d'autres foyers, notamment américains.

Un artiste en son temps : Viollet-le-Duc

L'incendie de Notre-Dame de Paris en 2019 et les débats sur la restauration de la flèche ont mis en lumière le rôle majeur d'Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879) dans l'identité patrimoniale de la cathédrale. Si la postérité a essentiellement retenu son action de restaurateur de monuments médiévaux, l'œuvre de Viollet-le-Duc, protéiforme, excède cependant la seule intervention sur le bâti préexistant pour aborder le dessin, l'observation de la nature, celle de l'environnement et la création architecturale.
L'œuvre de Viollet-le-Duc s'inscrit pleinement dans son époque et dans les débats qui l'animent, dont celui sur l'émergence d'une conscience patrimoniale. Artiste prolixe, il combine une position administrative privilégiée pour traiter des questions de restauration monumentale avec une créativité qui s'exprime sur de nombreux monuments médiévaux en alliant le souci décoratif à l'essence architecturale.
Faisant œuvre de professeur et d'historien, Viollet-le-Duc contribue à la transmission et à la pérennisation des connaissances. Artiste aux multiples talents, sa précocité, son audace et sa curiosité essaiment sur l'ensemble du territoire. La figure de cet érudit, qui évolue dans un XIXe siècle pétri de connaissances historiques, interroge et fascine l'histoire des arts pour ce qu'elle révèle de l'artiste en son temps.
Considéré comme le précurseur de l'architecture moderne par les uns, trop interventionniste pour les autres, Viollet-le-Duc ne laisse pas indifférent, près de cent cinquante ans après sa mort. L'étude de son œuvre permettra aux élèves de l'enseignement de spécialité d'interroger les grands enjeux des politiques patrimoniales, au premier rang desquelles les questions toujours vives de l'authenticité et de la pérennité inscrites au cœur du travail de restauration..
La question limitative interroge de ce fait, outre la nature et les conditions de la production artistique elle-même, la vie quotidienne des artistes, dans sa dimension sociale, culturelle, économique ou religieuse. À travers l'installation de certains en Italie et le retour des autres dans leurs pays d'origine, elle aborde par ailleurs l'évolution progressive de la place de l'artiste dans la société, dans sa relation à l'institution, au monde économique, au marché de l'art et au mécène, et l'élaboration d'une légitimité.

Semaine de la presse et des médias

Mélie Jouassin — 2026-01-16T09:54:36Z

SEMAINE DE LA PRESSE ET DES MÉDIAS

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